review #9

Иногда кажется, все, что в 90х было изобретено в поп-электронике, нужно было только для того, чтобы делать «музыку для воскресного утра» — это незатейливое (и необязательное) словосочетание порхает с одного сайта на другой, как стая озабоченных опылением насекомых.


 

Caduceus «Influensed by…»

(mp3-series)

Лейбл Caduceus ведет молодая пара Кристиан и Иоанна Альтофф, их дуэт тоже зовется Caduceus (кадуцей — жезл покровителя торговли Гермеса в древнегреческой мифологии, по легенде он получил его от Аполлона в обмен на изобретенную Гермесом лиру). Диски и винилы лейбла — продукция дуэта, я с ними не знаком, и знакомиться особой охоты нет. Но mp3-серия «Influensed by…» («под впечатлением от…») кажется мне одним из наиболее адекватных явлений в мире бесплатной музыки. Это ежемесячный взгляд никому не известных людей на некогда эпохальные явления, поворачивающие в ту или иную сторону колесо музыкальной истории. Каждый релиз Caduceus — короткометражка по мотивам какого-нибудь диска, «заряжающего» дуэт вдохновением. Результаты совсем не похожи на оригиналы, но они все же различимы в самом способе артикуляции звуков. Вообще-то, значительная часть интернет-музыки тоже сделана руками, которые чешутся собственным творчеством, а заряжены при этом чужими идеями. Только Кадуцеи нам честно об этом заявляют.

Influensed by

Rehberg & Bauer «Fasst» [infl01]

Очень механический нойз — в его конструкции буквально видны все соединения и спайки. Можно еще сказать «многомерный» — в основном, за счет массы эффектов и контрастов в громкости звучания отдельных фрагментов. Иногда ритмичный и грувоносный, иногда намеренно крикливый. Но в общем это — цифровой нойз, который прикидывается аналоговым.

Возможно, такая музыка стала бы естественным развитием событий у Pan Sonic, не откажись они от компьютера. Релиз же Caduceus показывает явное желание разнообразить музыку, напичкать ее событиями — а ей совсем не идет быть болтливой, ее затерянные в саунде фрагменты звучат куда интереснее активных и подчеркнуто контрастных. Вообще, мне кажется, что «вариативность» и «разнообразие» — в делах творческих далеко не синонимы.

Influensed by

ø «Metri» [infl03]

Финляндия — в некотором смысле роддом аналогового минимал-техно, существует даже такое выражение — «финский саунд», связывают его, в основном, с релизами флагмана сцены — лейбла Sähkö Recordings. Поговаривают, что в свое время альбом «Metri» проекта ø (то есть, ноль — а это ни кто иной, как Мика Вайнио, половина дуэта Pan Sonic) когда-то наделал нешуточного шуму. Аскетический минимализм и убогие ресурсы для звукопроизводства, но завораживающая аналоговая резня и прямо таки бесчувственно-тоталитарная репетативность. «Клинический бит» — одно из тех словосочетаний западноевропейской муз-прессы, которое как нельзя лучше подходит для описания того, что это за музыка. Если верить людям, сведущим в делах статического минимализма, этот mp3-релиз хоть ничего и не подвинул в минимал-мире, но сам по себе (вне контекста финского минимал) стал успешным экземпляром ответственного отношения к делу. Не в том смысле, что у них получилось нечто напоминающее оригинал, а в том, что клинического бита здесь в избытке. Все крайне скупо и неэмоционально, но при этом переполнено скрытым грувом — больше потенциальным, угадывающимся, чем очевидным, свингующим.

Очень близко к тому, как звучит долгоиграющее чудище «Gas» шведского минималиста Йохана Вейсландера, впрочем, в нем больше человеческого, чем у механизма Caduceus.

Influensed by

The Hafler Trio «IntoOutOf» [infl04]

2 гудящих трека, немногим больше 10мин каждый. Это самый занимательный релиз Кадуцеев, он напоминает оригинал куда меньше, чем все остальные, он и куда более замкнут в себе и скуп на болтовню. И в то же время он гораздо разнообразнее, чем перенаселенный событиями infl01.

Слушание infl01 в какой-то момент начинает напоминать калейдоскоп — там все хаотично дрыгается и скачет из стороны в сторону, и за ним просто приятно наблюдать. А infl04 больше напоминает разглядывание объекта в микроскоп. Это тоже хаос случайных взаимосвязей, но здесь общее броуновское движение обусловлено конкретными намерениями отдельных микроорганизмов. И это движение хаотично только при ближайшем рассмотрении, со стороны это больше похоже на колебания некого инертного и студнеобразного тела.  


 

V/A «Post Awakening Sound»

(Skyapnea, mp3 2005)

Иногда кажется, все, что в 90х было изобретено в поп-электронике, нужно было только для того, чтобы делать «музыку для воскресного утра» — это незатейливое (и необязательное) словосочетание порхает с одного сайта на другой, как стая озабоченных опылением насекомых. Мало кто, проснувшись, желает слушать заумь, все хотят прекрасного настроения с утра — вот бедный idm/эмбиент и вынужден который уже год выполнять эти унизительно потребительские функции. А мы потом их ругаем за то, что они «зашли в тупик».

И вот, о небеса! Больше часа музыки, специально предназначенной для создания утреннего настроения. Еще и на сайте с лозунгом «Art is easy!» (искусство — это просто!). Увидев такое, уже невозможно отделаться от мысли, что это больше квинтэссенция этой музыки как явления, нежели арт. В любом случае, любопытство победило, и я решил, что если там будет хотя бы один интересный момент, чуду — быть!

Кэфи Мэтьюз, Великобритания!!! Ее трек — седьмой по счету, называется «A custom skylark» (что-то вроде «персонального жаворонка»). По сравнению с тем, как благообразно, очевидно и необязательно развиваются другие кликс’н’катсы и какая пустота царит у них внутри, произведение Кэфи Метьюз устроено довольно неоднозначно, и оно живет полной жизнью. Несколько струнных партий (по всей видимости, записанных отдельно и затем смикшированных) тянутся упругими жилами саунда, видоизменяются, ускоряют движение, сталкиваются, пружинят, рассказывают что-то друг другу аж захлебываются, и никто из них не утыкается в преграды, все растворяются в общей подвижности. Этот трек — единственный во всей компиляции, у которого есть окончание: именно в тот момент, когда интуитивно предвидится кульминация, этот растянутый струнный поток вдруг прерывается мелодией в духе Тома Вэйтса, звучащей будто из древнего радиоприемника. Судя по всему, Кэфи Метьюз тоже не прочь услышать утром нечто жизнеутверждающее, но она при этом не боится принимать решения, которые могут увести музыку «не туда».  


 

Half Moon Dragster «INRI» [arch011]

(
Archipel, mp3 2005)

Канадский Archipel — из тех лейблов, что до сих пор считают поп-электронику достойной выпуска, и имя им — легион. Если прочесть пресс-релиз этого альбома на сайте лейбла, можно решить, что это — махровый idm: мол, глубина и реверберация, органика текстур и прочие электронные радости. Наверное, лучшей рецензией на этот альбом было бы «не верьте пресс-релизу».

Это idm, конечно, но все же и нечто более подвижное и свободное в своем выборе. Да, хватает здесь и меланхолической раскованности, и всех этих реверберированных глубин. Но есть еще кое-что, что эта музыка сама себе позволяет.

Уже с первых минут несколько настораживают возникающие совершенно не к месту лоскутки шума — они пробиваются из-под синтезаторных переливов, как будто им не сидится в какой-то там своей шумовой музыке, но и в эти электронные красоты они никак не могут вписаться. И потом, по мере того, как все дальше и шире расползается электроника, все более явными становятся якобы небрежности в сведении, нарастании звука, смене тем и тембров. Музыка колышется и пытается двигаться в нескольких направлениях сразу, будто диджей, который ставит ее с дисков, долго колеблется в выборе конкретного трека. Звучание при этом — сахар сахаром, сделай Half Moon Dragster хоть шаг в направлении сырого звука, тридцать минут релиза не воспринимались бы как час с лишним.  


 

V/A «post_piano 2 open remix project» [term.12]

(term., mp3 2005)

«Open remix project» — это когда определенный, уже кем-то выпущенный в свет, кусок музыки принимается за основу для ремиксов, ремикс может сделать кто угодно, все они скапливаются в руках кураторов такого проекта, которые затем из скопившейся кучи отбирают наиболее показательные треки и их публикуют.

Идейной основой для этой компиляции послужил диск «post_piano 2», который Тэйлор Дюпри (Taylor Deupree) и Кеннет Кирчнер (Kenneth Kirschner) выпустили на лейбле Дюпри 12k в середине 2005. Львиная доля продукции лейбла — цифровой минимализм, лейбл пользуется вниманием, диск «post_piano 2» был встречен тепло. Сам по себе он ужасно скучный, но эта характеристика в данном случае — совсем не отрицательная. Кеннет Кирчнер занимается исключительно фортепианной музыкой, он играет на пианино с пяти лет и относится к пиано-звуку с фанатизмом. Музыка у него предельно сухая и академичная, он никак ее не называет, все его треки — перечень бесчувственных дат, в которые состоялась запись того или иного фрагмента.

В музыке Кирчнера есть определенный шарм потустороннего лоу-фай. Его фортепиано — громоздкий инструмент, несущий на себе всю свою неподъемную историю, в нем буквально слышен скрип, изношенность, протертость и шорох пыли, которая скапливается на струнах. Его звучание — это запах старых фотографий из семейного альбома полувековой давности.

Возможности записывать акустические партии в домашней студии Кирчнера нет — его дом расположен рядом с железной дорогой, по которой постоянно носятся поезда. В какой-то момент он решил использовать этот эффект, чтобы подчернуть окружение, в котором существует фортепианный звук — в результате это вывело на передний план его беспомощность и одиночество, усилило его выразительность. Композиция была озаглавлена «11 Ноября 2002», для диска «post_piano 2» Тэйлор Дюпри соорудил из нее несколько своих пассажей. И этот же скетч послужил основой для онлайн-проекта лейбла term., интернет-брата лейбла 12k.

Ремиксы, конечно, гораздо более разноцветны, в них больше электричества, движения, но звучат они ничуть не радостнее оригинала, и это — несомненный успех. Вообще работы Кирчнера — благодатная почва для переработки: эта их замшелость — искрення, неподдельна, но она — и есть суть этой музыки, больше там ничего нет. А в ремиксах проявляется остальное — фортепиано обрастает кожей, материей, звук начинает шевелиться, становится «музыкой».

Несмотря на целых 2 часа звучания и общую подавленность настроения, мысли «щас усну» не возникает, релиз неплохо структурирован.  


 

CD-R «Hide and Seek» [zero067]

(Zeromoon, mp3 2005)

Московский проект CD-R — это дуэт Никиты Голышева и Стаса Бобкина, у меня складывается впечатление, что идеологической частью занимается именно Никита, а в пресс-релизе «Hide and Seek» вообще фигурирует только его имя. Некоторое время мы с ним поддерживали связь и чего-то там спорили по поводу всякого нойза. Было похоже, что он долго искал адекватные стилистические рамки для самовыражения, вопящим нойзом ему заниматься быстро надоело. В нашей е-болтовне постоянно всплывали конкретная и микротональная музыка, минимализм, свободная импровизация и все остальное, что шумит без ярости и металла. Несколько таких релизов CD-R я пропустил мимо ушей, не зацепившись ни за один звук. С этим альбомом дела обстоят гораздо интереснее.

Никита — студент, и кажется, учится живописи. Вот и музыка его начинает мутировать в сторону неких абстрактных, но красноречивых глитч-фресок с атмосферой урбанистического изоляционизма и потерянности в толпе. Краски не передержаны, и не в них самих прикол — кое-где кисть только касается поверхности холста, в иных местах цвета густо перемазаны слоями, оно разное, оно движется, и оно определенно себе на уме.

В этой записи есть мысль и самоограничение на пути к ее выражению. Есть и еще что-то, что скрывается за всеми этими текстурными выкрутасами — видимо, оно и есть нечто особенное, CD-R’овское, здесь уже вдохновителей не слышно. Конечно, это еще переходный период, но кажется, надолго он не затянется.

Очень впечатляюще также звучит трек CD-R «Vacuum» в компиляции «Coil Tribute» памяти Джона Бэлэнса от российского онлайн-лейбла/веб-зина Electrosound.ru.  


 

Nole Plastique «Skipped Sadness» [OTR010]

(Otium, mp3 2005)

Otium — лейбл без вкусов, пристрастий и концепций, он просто всасывает в свой каталог «качественную электронную музыку», рыться в таких каталогах — как правило, занятие не очень увлекательное. Поэтому приятно было наткнуться здесь на не-пустышку.

Nole Plastique — это один человек, его зовут Роман Кутнов, он живет в Казани. Его продукция — дигитальный глитч с акустическим вмешательством (первым на ум приходит Fennesz). Что-то здесь есть от чисто европейских традиций слоеного шумового пирога — я имею в виду некоторую навороченность форм, эпичность.

Мне нравится шквал, напор этой музыки, она массивна, но не беспросветна — она не дает в себе потеряться, в каждый момент времени понимаешь, в какой части пейзажа ты находишься. Неожиданного, правда, ничего не происходит, и поэтому слушать интересно только первые несколько раз. Вообще, мне кажется, есть здесь элемент растерянности. Вроде бы ясно видно, куда музыке положено двигаться, она и сама это видит, и бредет по паханному перепаханному полю текстурного инди-нойза. И все же мается своей гармонией и ярко выраженной эээ… когерентностью (то есть, согласованным суммарным колебанием звуков в общем муз-потоке). Не хочется ей быть просто «эмоциональным саунд-дизайном» (это, наверное, о бесконечных дублях Феннеша в интернете), и она временами озирается по сторонам, чтобы разглядеть дорогу и еще раз спросить себя: «туда ли я иду? честны ли со мной голоса, которые звучат у меня в голове?»

Куда-нибудь она рано или поздно выйдет, Nole Plastique — заметное на российской инди-сцене явление.

Кстати, куда интереснее, чем музыка в «Skipped Sadness», звучит трек Nole Plastique «Heaven Song for Jhonn» в (опять же) компиляции «Coil Tribute». Наверное потому, что компиляция тематическая — т.е., за музыку уже решено, куда ей развиваться, она прямо липнет к теме Coil. А «Skipped Sadness» — добровольное предприятие, способное возникнуть и спеть во весь голос, но не расставить все точки под восклицательными знаками.  


 

FP «Fiuk & Csajok» [NTT022]

(Entity, mp3 2004)

FP — это француз по имени Фабрис Планкетт (Fabrice Planquette). О нем пишут как о талантливом и разностороннем саунд-художнике, он занимается не только написанием музыки, но и аудио-оформлением театральных постановок, современного танца и кино, его работами пестрят экспериментальные интернет-лейблы.

Альбом начинается грубым аналоговым техно-номером — столь грубым и аналоговым, что впору изумиться — неужели таким еще кто-то занимается (даже с позиций слушателя-2004, когда был выпущен этот альбом). Но изумление приходит потом, когда сквозь аналоговый хрип вдруг пробивается готическая вуаль, и сменяется вся эта техно-каша волнующей кино-зарисовкой собачьей погони за неким главным героем, и затем его внезапным избавлением (не без помощи некоей таинственной героини). Дальше — больше: минуя хлесткую и меткую диско-заплатку, мы попадаем в окружение пустынного трайбл-ритма с потусторонне задумчивым женским пением. Экстремальная жанровая эклектичность, связанная, тем не менее, присутствием оперной (временами кинематографической) готики и техноподобного бита (временами скатывающегося в индустриальный прессинг). Звучит дико, но мило, смены настроения проработаны с предельным профессионализмом, сказывается, видимо, опыт работы Фабриса для кино. И все же вызывает эта музыка один большой вопрос — зачем все это нужно в одном флаконе, какую все это выполняет функцию? И мне очень сильно кажется, что все это — лишь для достижения эффекта кричащего разнообразия, которое идеально держится вместе. Разнообразие здесь — не функция, а цель. Ювелирная подгонка лоскутков и величественность тем держат нас на поверхности этой музыки, а внутрь и заглядывать незачем — она по своей сути декоративна, никаких мучительных вопросов она не задает, и уж тем более на них не отвечает.  


 

Fabrice Planquette

«musique pour «dans la solitude des champs du coton» [CNV12]

(Conv net. lab, mp3 2005)

Куда более цельная, хоть и столь же разнообразная работа Фабриса — его прошлогодний альбом, выпущенный испанским онлайн-лейблом Conv net.lab. И хоть (главенствующей в «Fiuk & Csajok») готикой здесь не пахнет, но это тоже своеобразный ботанический сад методов: здесь и полевые записи, и гырканье аналогового синтезатора, и индустриальные страшилки — но все движется вместе, все травинки сгибаются под общим порывом ветра. Музыка обретает клейкий всеподчиняющий каркас, который не дает ей сорваться в калейдоскопичное непостоянство, оттеняет ее всамделишную многослойность и многократно подчеркивает экспрессивность. Возможно, этот релиз получился таким из-за того, что первоначально эта музыка создавалась для театральной постановки — то есть, перед художником была цель сформировать определенный аудио-континуум, а не «сделать альбом».  


 

Zirkulardynamik

«Bessere Welt» [NSH082] (Nishi, mp3 2005)

«Aufgedeckt Und Angeknipst» [78007] (mp3.de, 2003)

Я редко ищу интересную поп-музыку в интернете, но если уж что-то такое находится, то радуюсь, как грудничок погремушке. «Bessere Welt» вышел на (вообще-то экспериментальном) лейбле Кевина Кребса Nishi, «Aufgedeckt Und Angeknipst» я нарыл на каком-то сайте для бесплатного скачивания какой попало музыки.

Берлинский коллектив Zirkulardynamik насчитывает аж 7 человек, эта куча народу играет на настоящих инструментах: гитара, бас, синтезаторы, диджериду плюс винил, драм-машина, вокал. Началась группа с трех парней: Дэниэла Атцорна (вокал, фидбэк), Алекса Винклера (драм-компьютер) и Йоханнеса Келлера (бас) — в 2000 они собрались, чтобы заниматься эмбиентом и нойзом, но скоро их резко развернуло в сторону поп-музыки — с этого времени коллектив стал быстро разрастаться и уплотнять саунд. Смена ориентации — очень интересный момент. С одной стороны, он говорит о капитуляции перед (архи-сложной!) проблемой самовыражения в экспериментальной музыке — т.е., о слабости и несерьезности намерений. Но это также и проявление честности вместо необоснованных амбиций, вместо того, чтоб прикрываясь «экспериментальным» характером произведений, пропихивать бесконечные саунд-жвачки на уже бесконечном количестве интернет-лейблов. Так что, я приветствую решение Zirkulardynamik — это несомненно пошло группе на пользу.

Сами они называют свою музыку «электроком», и хоть, в сущности, это просто меткое словечко, в нем есть доля правды — это напористое гипер-танцевальное электро с работающим на износ рок-движком. Представьте себе «качево» раннего брекбита, усиленное гитарой с дисторшеном и несколько расшатанное и растянутое во времени краутроком. И песни по-немецки (слава кришне, слов очень мало). Все сделано аккуратно, с вниманием к мелочам. Музыка прямолинейна и напориста, почти без изломов и прыжков в сторону — она и не скрывает, что представляет собой практическую работу на тему «как завести танцпол». Но слышно, что делается она не для позы (как это было, например, у Nine Inch Nails) и не заради выпячивания своего «мачо» (как в случае Rammstein и White Zombie). И поэтому — что наиболее симпатично — нет в ней довлеющих над слушателем героев и истерических мучеников.

При общей тривиальности структур и убийственно профессиональной звукорежиссуре все же иногда можно расслышать умелое дилетантство: то кокетливый выскочка-диссонанс в общем электрогитарном реве, то вдруг на передний план вырвется визгливое квази-джазовое соло, то что-то сойдет с заасфальтированного драм-машиной техно-хайвэя, то сам бас-барабан вдруг поскачет неровной рысью (что в том же техно — вопиющая недопустимость).

Если дальше так и пойдет, Zirkulardynamik совсем скоро будут замечены сильными мира сего, и не исключено, что в ближайшем будущем из них сделают звезд с кокаиновыми крошками на воротничках.  


 

DJ Food «Raiding the 20th Century — Words & Music Expansion»

(UBU Web, mp3 2005)

Пройти мимо этого выпуска онлайн-библиотеки UBU Web просто невозможно. Это настоящий мулен руж современной музыки, и в то же время — ее бухенвальд!

Название выпуска — «Галопом по 20 веку — экспансия слов и музыки» полностью отражает его смысл — это краткая история музыки 20 века, такой себе «малый атлас мира». Впервые этот концептуальный микс был выпущен от имени Strictly Kev — это псевдоним человека по имени Кевин Фоукс (Kevin Foakes), к настоящему моменту единственного участника проекта DJ Food. Вначале DJ Food был одним из проектов культового дуэта Cold-cut, но в конце 80х они передали Фоуксу эстафетный посох проповедника cut-up (что-то вроде «нарезки» или, другими словами, коллажирования). Это было приблизительно в одно время с Пландерфониками Джона Освальда, только Освальд был мало кому известен и находился «по ту сторону» поп-музыки, Cold-cut же считались законодателями мод (в основном благодаря репертуару лейбла Ninja Tune). Освальд — серьезный композитор, его нарезка безразлична к формам и жанрам, ее нечеловечески сложно слушать, но в ней гораздо больше смысла, чем в исходном материале. А DJ Food — это коммерчески успешный микс из хипхопа, брекбита, драм-н-баса, электро и прочего евро-дэнса, без которого в 90х (по наивности) не обходилась ни одна передовица. Все, что выходило от имени DJ Food, обязательно содержало изрядную долю танцевального грохота с привкусом того, что в разные времена было cool: латины, джаза, регги, соула и фанка.

Чем же DJ Food заслужил внимание столь серьезного издания, как UBU Web? Наверное, тем, что этот его сет как ни что иное демонстрирует вариативность и многообразие поп-музыки 20го века, и в то же время — отсутствие в ней глубины и уникальности, то есть, ее универсальность, «всестыкуемость», ее общий каркас. Чудесным образом вместе уживаются не только хипхоп и металл, кантри и хаус, ретро-поп и джаз, даб и рок-н-ролл, но даже гранж с бритни-подобной попсой звучат, как единое целое. К тому же, в шоу участвуют не только оригиналы, но и то, что уже до этого было склеено — примеры бастард-попа и разнообразных коллажных техник, и они тоже кажутся не более чем набором клише.

Судя по тому, что я щас написал, можно подумать, что «Raiding the 20th Century…» — сам по себе экземпляр бастард-попа — явления быстротечного и уже далеко не актуального. Нет, кажется, DJ Food не так прост…

Сет условно разделен на 5 частей, вторая — наиболее режущая слух и вместе с этим наиболее интересная — хотя бы тем, что представляет собой вполне компетентный взгляд поп-диджея на историю музыки элитарной: авангарда, минимализма, электроакустики, микротональной и конкретной музыки, саунд-поэзии. Часто встречаются огрызки интервью с искусствоведами и классиками серьезной музыки (особенное внимание уделено Алвину Лусиеру и Джону Освальду). В этой музыке нет однозначности и ярко выраженных «стыковочных» элементов, нет клише — она совершенно не уживается с заводным и жизнерадостным битом, создавая некую стену, барьер для восприятия: «вот здесь все звучит привычно, а здесь уже — как-то странно». То есть, слышна способность сойти с накатанной тропинки и шагнуть в пустыню нового смысла. И хоть мессадж DJ Food’а в данном случае — «все едино и взаимозаменяемо», все равно отчетливо слышно, что большее — возможно, как бы мучительно не пришлось его искать, и для этого наше ранимое восприятие должно отказаться от пощипывания и поглаживания собственных эстетических сенсоров.

Обязательно для многокоратного прослушивания!  


 

40 Years of Polish Experimental Radio from Studio Warsaw

(UBU Web, mp3 2005)

Администрация UBU-Web получила по почте болванку с комментарием «это не официальный материал, а просто несколько записей Экспериментальной Студии польского радио в Варшаве», 1950-70е годы — больше ничего, ни единой строки, авторы некоторых записей вообще неизвестны. Это немного сбивает с толку — ведь по умолчанию серьезная электронная музыка середины 20 века воспринимается как скучная и непроницаемо академическая до знакомства с авторским замыслом, методами и идеями. Другими словами, для ее адекватного восприятия нужно либо самому быть серьезным музыкантом, либо, по крайней мере, быть осведомленным в том, что стоит за тем или иным произведением, и иметь больше терпения и теоретических знаний. Здесь же ноль информации — догадайся, мальчик, сам.

Музыка эта, несомненно, что-то в себе несет — достаточно вытерпеть несколько минут, чтобы расслышать в ней некую систему знаков и символов, и за каждой стоит собственная субъективная реальность. Польское экспериментальное радио звучит дискретно, точечно, колюще и сложно-подчиненно. Динамика развития — то есть, накопление, уплотнение событий, их растяжка во времени и коллапс — проработана идеально, музыка похожа на густые извилистые графики загадочных функций.

Качество звучания ужасно, но даже это прекрасно работает на эффект чего-то потустороннего, непостижимо научного — и этим манящего. В современных условиях трудно себе представить музыку, столь плотно напичканную смыслом, и в то же время настолько бедно звучащую.

Мой любимый трек — 11минутный фарш из фри-джаза, квази-рока (на границе трайбл/космик), коллажных завываний и абсурдного текста (продекламированного частично по-польски, частично по-английски) — это явно радиопостановка, называется «Граница ничего», автор — Кшиштоф Книттель.

Польская электроакустика формирует устойчивый фильтр в голове — куча якобы «загадочной» музыки вдруг теряет способность удивлять, на поверхность выходят ее тривиальность и формализм. Искренне желаю всем такого разочарования!  


 

Leif Brush «terraInstruments»

(EARLabs, mp3 2005)

Лейф Браш имеет звание Заслуженного Профессора в Университете Миннесоты. На его малоинформативном сайте www.windwitness.net.nz в глаза бросается интересная цитата: «французский теоретик искусства Pierre Lévy в своей нео-утопии «Древа познания» предполагает, что развитие мультимедиа имеет прямое отношение к дуге траектории планетарной эволюции, которая начинается со спирали ДНК и устремляется в киберпространство. Эта дуга сопровождает чистую информацию, обуславливая развитие средств ее выражения. Согласно Леви, «киберпространство представляет собой безграничное поле… созданное для обеспечения взаимосвязи и предоставления интерфейсов для разнообразных методов создания, документирования, коммуникации и симуляции…» В своей книге «Древа познания» Леви вводит понятие «динамической идеографии» — интерактивного языка как формы представления информации, основанной не на на словах и зрительных образах, а на выражении наших ментальных моделей. Идеография оперирует ментальными моделями, близкими к оригиналу (сознанию) насколько это возможно. Киберпространство — и есть среда пользователей этих моделей.

Несколько замороченно, правда? Ничего не поделаешь — мы живем в замороченном времени. Какое время, такие утопии…

Музыка Браша не имеет к этой теории никакого отношения — но по своему замыслу она где-то совсем рядом. Звукопроизводством занимается система из хитроумных сенсорных датчиков и трансформаторов, которыми Лейф утыкал пол-страны (США имеется в виду), каждый из них посылает записанные сигналы на компьютер, расположенный в Университете Миннесоты. Это как звуки в пространстве (пение птиц, порывы ветра, шум деревьев, воды), так и еле различимые колебания земной поверхности, которые впоследствие «расшифровываются» с помощью приборов, условно названных Брашем «terrain instruments». То есть, это несомненно новая форма медиа, своего рода язык общения с Землей или, скорее, язык общения Земли с нами.

В записи перформанса «Fast Forward», который состоялся в ноябре 2004го в Университете Миннесоты, был использован еще один неоднозначный «инструмент» под названием «космофон» — это спектрометр, который воспринимает волны гамма-излучения от далеких звезд и трансформирует их в MIDI-сигналы, посылая их на контроллер. По своей природе «космические данные» уникальны, трансформация их в звуки дает совершенно произвольный звукоряд. Запись перформанса — это колебания космоса плюс колебания Земли. Именно эта запись и стала релизом на EARLabs.

Учитывая научно-фантастический базис этой музыки, можно себе представить некую какофонию, в которую с интересом вслушиваются мудрые мужи в лабораториях, и в которой даже не пахнет эстетикой и творческим смыслом.

Нифига подобного! До какофонии ей далеко, этот звуко-монстр обладает ярко выражеными центрами тяжести, можно расслышать, как он переносит между ними свою массу. Звуки тяжеловесны и инертны, но послушно подвижны, их могучее перекатывание производит эффект неких монолитных пластов в среде дикого хаотического разнообразия. Все это очень похоже на аналоговую космо-оперу, в центре сюжета которой — монументальная экосистема. Ее персонажи незримы, но присутствуют, их мотивы и поведение непостижимы, и смысл этого всего проявляется на ином уровне восприятия, чем тот, где обретается привычное нам «искусство».

Это, пожалуй, и есть точка соприкосновения работ Браша и теории динамической идеографии Леви. И то и другое — опыт передачи знаний, который заключается в чем-то, что мы способны воспринимать, но не способны уложить в рамки общепринятых коммуникационных схем. Эта музыка нам что-то говорит, «волнует» — но ведь это и не музыка вовсе, ее трудно «осознать» как музыку.  


 

V/A «the map is not the territory» [fe001]

(
Frozen Elephants Music, mp3 2005)

Первый релиз молодого немецкого лейбла Frozen Elephants. Не могу удержаться от цитирования пресс-релиза: «К концу 2005 бесплатная электронная интернет-музыка достигла наивысшей точки абстракции и метафоризации, представляя собой впечатляющий спектр открытых саунд-архивов, управляемых почти незримыми личностями. Гигабайты фрагментарных идей и скетчей, связанных, скомпилированных, собранных в странные и красивые работы. Потенциальные границы творческих территорий практически невозможно очертить, даже и представить себе невозможно, если принять во внимание количество музыкантов и их идей».

Лейбл Frozen Elephants не испытывает радости по поводу этого многообразия и многочисленности, равно как не испытывает и уныния. Не пытается он и систематизировать все эти творческие клочки, да это и невозможно. Он пытается выделить некие креативные моменты интернет-искусства и представить их публике в виде законченных и оформленных должным образом идей (читай «интернет-релизов»).

Как будто другие нет-лейблы занимаются не тем же самым?!

Первые несколько треков компиляции не производят особого впечатления: недо-индастриал, недо-нойз, пере-эмбиент, такое… Но есть здесь и несколько занятных явлений — вроде «Clank» Ларса Наглера и «Tankerin in Seenot» дуэта Seltsam & Strahler — в них можно разглядеть внимание к мелочам и строгую бдительность при обращении с большим куском музыки. Это несомненно, серьезные музыканты, если бросить взгляд на секцию «Artists» на сайте лейбла, можно заметить, что на фотографиях — в основном немолодые люди.

Но наткнувшись на трек «Humboldt Session» шведа по имени Александр Берман (Nim), я подумал «Ого!» — и сразу же перестал слушать эту музыку вполуха. На первый взгляд, здесь все просто — шум воды, кряканье диких уток и соло на трубе. Только вот кряканье поразительно напоминает джазовые ходы и схемы, в то время как труба крякает не хуже самих уток. Или, скажем так — она умело приспосабливается к уткам, не пускается в мелодическую муть и не срывается в импровизационный бедлам, а становится утиным собеседником. Она неспешно и невиртуозно разговаривает, как бы дыша, с запинками, заиканиями и естественными паузами. Из этого разговора поразительным образом вырастает музыка — она растет осторожно, ее ствол хрупок и невесом, но она не лишена хитрости и какой-то… ммм… скрытой иронии, что ли.

Непрост этот Александр Берман, ох непрост! Его сайт www.timebend.net выдает очень деятельного человека: он ведет свой блог, маленький независимый лейбл Time Bend и занимается странными медиа-проектами. Порой они имеют отношение к экологической электроакустике, а порой призваны обратиться прямо в самое нутро слушателя, к его эстетико-чувственным проволокам. С сайта можно скачать несколько треков, они тоже очень интересны, некоторые прямо поразительны!  


 

SpelleWauverynSherde, Interpretations Various & Sundry [TRANS001]

Golden [TRANS002]

(
Bremsstrahlung RecordingsTRANS>PARENT RADIATION, mp3 2005)

Лейбл Bremsstrahlung Recordings ведет Джош Рассел, который обитает в Остине (Техас), он — довольно заметный человек в мире манималистических стонов и скрипов. Принципиальная позиция лейбла — публикация «egoless sound», т.е. музыки, в которой авторство — не главное, главное — музыка. Вначале релиз публикуется в виде mp3, через некоторое время выходит на CD-R (кстати, обе компиляции обещают быть изданы в 2006 году, так что спешите, пока еще они доступны в mp3). Все средства, которые лейбл выручает от продажи дисков, идут на развитие программы Гордона Хэмптона «Квадратный дюйм тишины», которая направлена против загрязнения планеты звуками людей. Ее главная цель — создание хотя бы на одном квадратном дюйме общественных парков условий для того, чтобы туда не проникали звуки, производимые человеком и его машинами. То есть, лейбл Джоша Рассела публикует шум с целью избавить мир от шума. К тому же он является единственным спонсором программы Гордона Хэмптона. Логики в этом всем мало, но затея вызывает уважение.

Соло-релизы лейбла несколько скучны, компиляции — потрясающи!

«SpelleWauverynSherde…» — это сборник интерпретаций церковного стенания, записанного в Исландии то ли в конце 1960х, то ли в начале 1970х. Список интерпретаторов вызывает минимум интерес: Кристиан Феннеш, Нобукацу Такемура, Штефан Мэтью, Кит Клейтон, Алехандра и Эрон, Стив Роден…

Интерпретация (не ремикс!) — задача, на мой взгляд, крайне сложная. Оригинал — тягучее хоровое пение без инструментального сопровождения, а капелла. Песня это камерная, почти интимная, но в то же время в ней слышна всеобъемлющая тоска, безысходность человеческого существования и мысли о вечности. Кажется, что единственный возможный способ интерпретации — просто спеть ее самому так, как поет церковный хор — то есть, поверить в существование высших сил и обратиться к ним с чистым сердцем. И тем не менее, авторы компиляции ухитирились сделать это с помощью электроники (прибавьте сюда изворотливую гитару Феннеша) и при этом не расплескать ту самую вселенскую тоску и сохранить чувство близости, понятности музыки. Особенно трогающий трек — Нобукацу Такемуры: пунктир сбивчивой и заикающейся речи из цифровых глитчей, которые плетут свою вполне связную песню поверх страдальческого хорового пения. Несмотря на его откровенно компьютерное происхождение, он плавен и текуч, он колышется и устремляется в небеса, с жалостью смотря сверху на человеческую глупость и суету.

«Golden» — тоже тематический проект, в рамках которого музыканты должны выразить в звуке свое отношение к теории золотого сечения (вспомните ряд Фибоначчи из курса высшей математики). По большому счету, это пример спектральной музыки. Процесс ее изготовления в большинстве случаев выглядит так: вначале автор что-то долго рассчитывает, а затем вводит в компьютер полученные значения в определенной форме, и тот выдает ему готовый трек. Последовательность Фибоначчи даже до ее постулирования активно применялась в различных видах искусства (коротко об этом можно почитать здесь).

По поводу этого сборника особо и сказать нечего. Звучание — сухое и заумное, именно такое, как и полагается произведению искусства с математической природой. Некоторые из участников проекта в комментариях выражают скепсис по поводу идеи — мол, и кроту ведь ясно, что из этого музыки не получится, а получится только ряд Фибоначчи, к тому же, идея достаточно замусолена. Впрочем, некоторые комментарии, напротив, позитивны. И почти все авторы подробно описывают алгоритмы и приемы подгонки музыки под тематику. Не стал комментировать свой трек только Дэн Варбартон (музыкант и журналист, который стоит за вэб-зином Paris Transatlantic) — просто строчка о том, что в качестве основы была использована запись, сделанная там-то тогда-то. Как Варбартон относится к золотому сечению — непонятно, никакой последовательности в его произведении (за исключением его названия) не заметно — это просто переработанные полевые записи. Этот трек — самый иррациональный и завораживающий в компиляции. Это показательный пример музыкального эскапизма — эти звуки находятся как бы в стороне от слушателя, ничего о себе не рассказывая — у нас возникает ощущение того, что рядом что-то происходит, но нам достаются только тени вместо персонажей.  


 

Zavoloka & AGF

«Nature Never Produces the Same Beat Twice» [ns44]

(Nexsound, CD 2006)

Заволока из тех музыкантов, от которых все время хочется чего-то нового, за которыми интересно следить. За историей этого диска я следил давно — по крайней мере, с поэтессой AGF из Берлина Катя познакомилась около двух лет назад. Программу Tekkno like trees (теккно как деревья) Заволока и AGF представляли на европейских фестивалях и в турах лейбла Nexsound, именно она и легла в основу диска. Альбом девушки сводили по ночам — вдвоем в крошечной берлинской студии Владислава Дилэя, а днем в ней работал Дилэй.

Всего треков на диске — 50, каждый не превышает полутора минут, общий замысел — нестабильность и непредсказуемость природных форм. AFG здесь не поет, а произносит отдельные фразы или просто издает звуки, ее голос порезан в щепки, застревающие в случайных местах этого многомерного судорожного техно. Музыка стартует с места и разгоняется, но ей не дают просто обрасти грувом — она вынуждена постоянно натыкаться на хаотично расположенные преграды, мучиться своей недосказанностью, тужиться и кидаться из стороны в сторону в попытках найти лазейку в этот самый грув. И вот, когда наконец начинает прорисовываться пульсирующий техно-пучок прямого (или непрямого, но настырного) бита, трек внезапно заканчивается… Нам не дают расслабиться и насладиться нашим комфортом, не дают «раствориться во всепоглощающей пульсации» — вместо этого музыка занозит нам уши, заставляет обращать на себя внимание. Привычная функция техно — действовать на уровне простейших эмоций, зомбировать. Здесь же есть нечто большее, есть какой-то явный с нами разговор. Ходят слухи, что техно умерло. Да неужели?

Реклама

One Trackback to “review #9”

Добавить комментарий

Заполните поля или щелкните по значку, чтобы оставить свой комментарий:

Логотип WordPress.com

Для комментария используется ваша учётная запись WordPress.com. Выход / Изменить )

Фотография Twitter

Для комментария используется ваша учётная запись Twitter. Выход / Изменить )

Фотография Facebook

Для комментария используется ваша учётная запись Facebook. Выход / Изменить )

Google+ photo

Для комментария используется ваша учётная запись Google+. Выход / Изменить )

Connecting to %s

%d такие блоггеры, как: